Claude Nougaro fut un artiste visionnaire qui, tout au long de sa carrière, osa l’alliance des rythmes les plus divers (musique africaine, jazz ou java, Bossa Nova) et la musique de l’alexandrin, pulsation propre à la langue française.
Il a su traverser, sans réelles éclipses, les époques en bousculant les schémas classiques, en recherchant toujours des pistes nouvelles et en se tenant prêt à se mettre sans cesse en question. Sa démarche courageuse lui a donné le privilège rare de toucher un public large et qui traversait plusieurs générations.
Il a donné à la chanson un statut de véhicule de la modernité en lui donnant une vraie légitimité, qui vient du mot, de cette langue française dont on a dit bien à tort qu’elle ne résonnait pas.
Si la chanson française existe si fortement aujourd’hui, c’est en grande partie grâce à lui. Nougaro est « la voix royale », une voix puissante, singulière et rythmique. À ce titre, il peut être légitimement rapproché d’un autre monument de la chanson : Serge Gainsbourg.
Ce n’est donc pas surprenant si les ambassadeurs de la nouvelle scène française le citent presque tous comme référence.
Ce n’est pas non plus un hasard si beaucoup d’artistes (Sanseverino, Zebda, Kool Shen) ont salué avec une émotion vraie le grand artiste au lendemain de sa mort, en mars 2004.

Voici un film qui lui est consacré, pour l’écouter parler sa langue. À travers des images d’archives, on pourra goûter cette java des mots, ce cheminement généreux qui lui valut si longtemps l’affection et la célébrité populaires.
Ce film ne retrace pas la vie et la carrière de l’artiste. De l’artiste des débuts à l’homme combatif des mois ultimes et de la difficile confrontation avec la maladie, ce film veut surtout donner à voir, à entendre et comprendre Nougaro. D’où il venait, où il allait et par quels chemins…
Il ne s’agit donc pas d’un documentaire de plus sur un chanteur de plus. C’est une odyssée dans la syncope des mots, une traversée du désir. Ce film est là pour lui rendre ce qu’il avait offert.

Stéphane Sinde écrit: " La première fois que j’ai entendu parler de Barney Wilen, c’était par Marie Möör, sa dernière compagne. Barney était mort depuis 2 ans, elle en avait passé 10 avec lui. Nous avions le même âge, Marie et moi, et elle était déjà riche d’un passé qui me semblait un peu anachronique avec sa génération.
Barney est en effet un personnage mythique de l’histoire du jazz. Mythique par son ascension fulgurante à 17 ans, son jeu éblouissant qui le conduit à gigger avec Miles Davis, Bud Powell, Art Blakey, Roy Haynes, John Lewis, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk… les plus grands jazzmen américains (noirs bien sûr) de passage à Saint Germain dans les années 50. À 22 ans, alors que l’avenir lui appartient, il choisit de disparaître. Sa vie ensuite ne sera faite que d’une série d’apparitions / disparitions. Aussi brillantes qu’inexpliquées. À chaque fois qu’il ressurgissait, alors que tous le croyaient mort, il y avait dans sa musique quelque chose de précurseur. Une tonalité qui préfigurait les courants, les styles qui allaient traverser le jazz. Comme s’il avait besoin de ne plus être pour renaître…

Progressivement, je découvrais l’univers sonore de Barney ainsi que sa vie aventureuse, romanesque. Dans le même temps, à mesure que ma relation avec Marie devenait plus familière je prenais conscience – non sans une certaine fascination – combien Barney continuait à vivre en elle. Aussi, et à ma grande stupéfaction, je me suis surpris à constater que le processus s’était comme déporté en moi. Barney commençait à s’immiscer également dans ma vie et dans ma conscience. Je me mis à chercher des traces de son oeuvre dans Paris, les endroits où il avait joué (qui n’existent plus aujourd’hui), à exhumer de l’improbable collection d’un disquaire ses vinyles introuvables... Je m’inventais une proximité avec lui un peu inexplicable, moi qui ne suis pas jazzophile. Comme attiré par son fantôme, par sa prégnance invisible…

Sa destinée elliptique me fascinait ; cet homme qui a toujours oscillé, comme un funambule, entre présence et absence. Celui qui subitement était de nouveau là alors que tous le croyaient mort. Celui qui est mort maintenant et qui continue pourtant de vivre à travers ceux qui l’ont connu".

Stéphane Sinde est scénariste et réalisateur de fictions et de documentaires. Il anime dans la région de Montpellier des ateliers d’analyse de films, fictions et doc, dans le cadre du dispositif " collèges et lycées au cinéma ".

Georges Aperghis est né à Athènes le 27 décembre 1945. Son éducation fut principalement autodidacte : il partage une double passion pour la peinture et la musique qu’il découvre grâce à la radio et le piano qui lui est enseigné par une amie de la famille. À Athènes, il n’a que peu d’information sur l’avant-garde européenne, mais se nourrit de la lecture de partitions du répertoire, entend quelques pages de Schoenberg, Bartok et Stravinsky et reçoit comme un choc les premières expériences concrètes de Schaeffer et Henry. En 1963, il s’installe à Paris pour y poursuivre ses études musicales et décide définitivement d’abandonner la peinture. Il y rencontre le milieu de la création par l’intermédiaire du Domaine Musical et des concerts à la Maison de la Radio. Ses premières oeuvres sont ainsi marquées d’une part par le sérialisme et d’autre part par les recherches de Xenakis. Il mène depuis lors une carrière originale et indépendante, partageant son activité entre l’écriture instrumentale, ou vocale, le théâtre musical et l’opéra.
En 1976, Georges Aperghis fonde l’Atelier Théâtre et Musique (Atem). Avec cette structure, il renouvelle sa pratique de compositeur en faisant appel à des musiciens aussi bien qu’à des comédiens : ces spectacles s’inspirent de faits sociaux transposés dans un monde poétique, parfois absurde ou teinté de satire.

L’année 2000 avait été marquée par deux créations importantes, qui ont circulé à travers toute l’Europe : Die Hamletmaschine-Oratorio, sur un texte de Heiner Müller, et le spectacle musical Machinations, commande de l’Ircam, qui s’est vu décerner par la Sacem le Prix de la meilleure création de l’année. Il a récemment composé Dark Side, pour l’EIC et Marianne Pousseur, d’après l’Orestie d’Eschyle et créé Avis de tempête le 17 novembre 2004 à l’opéra de Lille avec l’ensemble Ictus, Donatienne Michel-Dansac et Lionel Peintre.

Compositeur prolixe, Georges Aperghis construit, avec une invention jamais tarie, une oeuvre personnelle qui défie les classifications : sérieuse et empreinte d’humour, attachée à la tradition autant que libre des contraintes institutionnelles, il sait ouvrir des horizons inespérés de vitalité et d’aisance à ses interprètes et réconcilie habilement le sonore et le visuel.

Catherine Maximoff est musicienne et a collaboré à la programmation artistique de plusieurs festivals. Elle se consacre aujourd’hui entièrement à l’écriture de scénarios et à la réalisation de films sur la musique et la danse.

Sa rencontre avec l’écrivain malien Amadou Hampaté Ba aiguise son goût de l’écriture. À l’instar d’un Bartok ou d’un Seygoun, l’écrivain et le jeune musicien parcourent le pays un Nagra à la main pour recueillir nombre de sources musicales traditionnelles.

Ali Farka Touré chante le Mali, ses hommes et ses femmes, la cohésion sociale, la solidarité et le travail. La musique d’Ali fait partie de ce voyage au fin fond d’un Mali rural qui se débat avec la sécheresse. Le musicien dévoile sa sagesse – « celui qui fait du bien reçoit toujours du bien » –, sa philosophie de la générosité – « même une petite pomme, tu peux la partager en dix parts » –, révèle les relations qu’il entretient avec les djinn (les esprits du fleuve Niger) et martèle son souci principal : arriver à l’autosuffisance alimentaire car « quand on a faim, on ne pense à rien ». C’est pourquoi il a passé ses dernières années plus de temps sur ses terres de Niafunké à cultiver riz et légumes que sur scène. Pour ce grand artiste, l’axe du monde ne passait pas par les États-Unis, ni par Londres ou Paris, mais plutôt quelque part dans le ‘Cercle’ de Niafunké, ce carrefour fluvial de la Boucle, où tant de peuples se côtoient depuis la nuit des temps.

Marc Huraux, féru de musique a réalisé plusieurs documentaires sur le monde musical qu’il affectionne et connaît intimement : portrait du saxophoniste Charlie Parker dans Bird Now évoquant l’expérience des artistes noirs dans les années quarante, ou encore en 1989, Check the changes où il explore les scènes éclatées du jazz des années Reagan, à New-York.

Après Anthithèse réalisé en 1965-1966 et divers tournages d’exécutions de ses oeuvres (Match, Hallelujah), Mauricio Kagel revient en 1969 au cinéma avec son Ludwig van conçu comme une contribution à l’année Beethoven et un hommage au compositeur.

Dans cette période, Kagel dirigeait largement son travail vers une sorte de déconstruction de la tradition (Bach, Beethoven, Brahms), à laquelle il intégrait des formes de musique de variété.

Ludwig van souligne, par l’ambition de sa version cinématographique, l’invention multi-forme de Mauricio Kagel, au-delà du concert traditionnel, dans les genres de la scène, du cinéma et de la radio.

Le film produit par la WDR de Cologne est très volontairement ironique, décalé, dérangeant, irrespectueux. Le film est constitué d’une série de scènes, sans liens apparents entre elles. Au début, nous sommes en présence d’un Beethoven atteint par sa célèbre infirmité et représenté de manière subjective, le spectateur étant peut-être le compositeur. Le film montre des lieux où Beethoven a vécu : son bureau, sa cave, son grenier, sa salle de bain, sa cuisine…

Kagel s’est associé des plasticiens importants de sa génération, tous proches de l’esprit de son travail : Robert Filliou, Dieter Roth, Joseph Beuys, Stefan Wewerka. Chacun a conçu et réalisé une pièce de cette< maison natale imaginaire.

Le ton est donné : il ne s’agit ni d’un reportage documenté, ni d’un film biographique. Kagel provoque, désacralise, critique, amuse.
On assiste ensuite à un sorte de débat inepte sur la musique du maître ; à une parodie d’évaluation des capacités physiques, morales et psychiques de la musique de Beethoven sur les interprètes, et beaucoup d’autres séquences cocasses selon une technique très maîtrisée, et ludique, d’un double collage, de sons et d’images. Pour exécuter la musique de ce film, Mauricio Kagel avait choisi un petit groupe d’excellents instrumentistes.

Mauricio Kagel, né en 1931 à Buenos Aires, s’installe en 1957 à Cologne où il crée deux ans plus tard le Kölner Ensemble für Neue Musik, et entre 1969 et 1975, dirige les Cours de musique nouvelle, à Cologne. Depuis 1974, il occupe la chaire de théâtre musical, ouverte pour lui à la Hochschule für Musik. Il dirige ses propres compositions.
Il est celui qui aura su briser avec la plus grande efficacité les conventions et les habitudes auditives, mais que de longues histoires personnelles relient à la tradition. Mauricio Kagel est l’auteur de nombreuses compositions pour orchestre, voix, piano et orchestre de chambre, oeuvres scéniques, de dix-sept films et de onze pièces radiophoniques. Il a reçu récemment le prix Erasmus.

Sur le film Voici comment le compositeur et musicologue d’origine chilienne, Juan Allende Blin, décrivait Ludwig van quelques années après sa réalisation : Dans le film, il n’y a pas une note qui ne soit de Beethoven, mais Kagel et ses interprètes lui ont donné un autre sens en changeant son contexte, bien plus, ils nous font redécouvrir et vérifier les qualités exceptionnelles de la musique de Beethoven, puisqu’elle ne souffre pas d’une détérioration, mais au contraire nous fait entendre maints aspects inconnus d’une rare beauté… (Musique en jeu, no 7/mai 1972)

Louis Sclavis est né en 1953 à Lyon. Il a appris la clarinette dès 1962, d’abord dans une harmonie de quartier puis au Conservatoire de Lyon. De 1975 à 1988, il a joué avec le Workshop de Lyon, le Marvelous Band et la Marmite Infernale. Il rencontre alors Didier Levallet, Michel Portal, Bernard Lubat, joue avec le Brotherhood of Breath de Chris Mac Gregor et le quartet d’Henri Texier. En 1982, il montait son premier groupe « le Tour de France » avec six autres musiciens originaires de différentes régions : Gérard Siracusa, Yves Robert, Beñat Achiary, Philippe Deschepper, Michel Doneda et Alain Gibert. Il enregistre en 1984 un premier disque solo, Clarinettes chez Ida records et monte un quartet avec Bruno Chevillon, Christian Ville et François Raulin avec lequel il s’est produit dans les principaux festivals français et étranger élaborant de nombreux special projects. II enregistre avec ce groupe augmenté du violoniste Dominique Pifarely deux disques : Chine (1987) pour Ida Records et Rouge (1991) pour ECM Records. Sa collaboration avec ce prestigieux label européen se poursuit avec des projets très ambitieux : Les violences de Rameau (1996), L’affrontement des prétendants (2001), Dans la nuit (2002) et Napoli’s walls (2003). Il joue avec le trio Romano-Sclavis-Texier et à l’issue de longues tournées en Afrique, il enregistre avec cette formation, pour Label Bleu, Suite africaine (1999), Carnet de routes (2000), African flashback (2005).

Il avait reçu en décembre 1996, le Grand Prix National de la Musique décerné par le Ministère de la Culture. Il a composé la musique du film de Bertrand Tavernier, Ça commence aujourd’hui et celle de Kadosh d’Amos Gitaï.

Yves de Peretti : « Lorsque nous avons tourné ce portrait avec Philippe Gumplowicz, nous voulions montrer un musicien « en train de devenir une star ». C’était un moment important de sa carrière, il venait de signer avec le label munichois ECM qui lui ouvrait la porte d’une carrière internationale. Nous cherchions ce « je ne sais quoi » qui l’élevait au-dessus de la mêlée, comme on dit qu’un acteur « accroche la lumière ». Nous avons filmé la « méthode » Sclavis : hyperactivité – c’était le musicien français de jazz qui travaillait le plus –, goût des rencontres et des aventures musicales, gentillesse, fidélité en amitié, aisance à gérer les partenariats avec les autres arts – il avait entamé une prolifique complicité avec la chorégraphe Mathilde Monnier –, faculté aussi de montrer toujours son meilleur profil. Nous l’avons suivi de concert en concert, de rencontre en rencontre, pendant six mois environ. Nous avons sympathisé. Nous voyagions avec lui et ses musiciens, nous partagions blagues et moments d’intimité. Mais je me souviens qu’à chaque fois que j’allumais la caméra, je croisais le regard de Louis. Il savait toujours quand ça tournait ! » (Avril 2006)

«Wayne Shorter est le plus grand compositeur vivant depuis la mort de Duke Ellington”, affirmait clairement Stan Getz, en évoquant le musicien.
En fait, ce fut un handicap. Car il était difficile pour un saxophoniste d’être reconnu aussi pour son travail sur le thème et la forme dans une époque irradiée par l’improvisation. Pourtant, Wayne Shorter a écrit pour les plus grands : les Jazz Messengers de Art Blakey, Miles Davis, le groupe Weather Report avec Joe Zawinul et Jaco Pastorius.
Shorter, un “homme d’à côté”, pour paraphraser Truffaut et une histoire d’amour fou et pour dire à quel point il fut longtemps considéré comme un musicien de l’ombre, le “souffleur de rêves” ou “l’extraterrestre” comme le soulignait Miles Davis à l’époque où ils jouaient ensemble (“Wayne Shorter est dans son propre avion en orbite autour de sa propre planète !”).
Wayne Shorter n’est pas un musicien, c’est autre chose ! La première fois que je l’ai entendu, ce fut un choc, une révélation.
Libre et follement aérienne, sa musique m’a transportée. Wayne Shorter restitue la musique, la transforme, l’invente. Il est sa musique ! Et l’on ne peut pas parler de sa musique sans évoquer le personnage. Il évolue dans une sorte d’ambiance cotonneuse, parsemée de rêves bizarres.
À la différence des autres musiciens, Wayne Shorter nous offre une vision du monde, où plutôt de son monde, dont les clefs sont souvent musicales.
Les changements d’humeur dans son jeu sont instantanés. Ses compositions, comme ses solos admirablement ciselés, ont fait de lui l’explorateur d’un univers onirique et intemporel.
À l’occasion de sa semaine passée à la Cité de la Musique en janvier 2004, nous l’avons filmé avec différentes formations comme en duo avec Herbie Hancock, avec l’Orchestre de Lyon ou encore avec son quartet. »

Marie-Pierre Jaury s’est essentiellement consacrée aux films sur la musique ; elle a notamment réalisé La messe selon St-John Coltrane (histoire d’une église à San Francisco, vouant un culte au saxophoniste) et Basse contre Basse (une histoire de cet instrument à travers ses musiciens).

Michel Delorme est journaliste et critique de jazz. Il a été directeur artistique dans diffèrentes majors du disque. Il est en complicité amicale avec la plupart des musiciens de jazz.